快资讯：【动画理论】创作的核心理念：提出目的，找到方法

本文概为作者的学习与思考，作为自己的学习笔记，仅供参考，无科普用途。

如何创作出自己理想中的动画产品，如何打造出一个成功的IP，动画产业自出现以来始终在探讨这个问题。

第一步，首先要确定自己究竟想做出什么样的作品，严肃分析这个作品实现的可能性，而不是头脑一热，同时要考虑到市场的接受度，可能存在的受众体系，预算是否能达标，后续长远的商业规划，产品可能的收益，以及不得不做好的最坏打算——亏损后如何善后，怎样避免亏损。

(资料图片仅供参考)

第二步，根据已经确定的战略大方向，坚定不移地走下去，开始制定世界观梗概，作品的中心思想，大致的整体风格，叙事形式，剧情框架。

第三步，进一步完善世界观设定，人物设定。

第四步，进入到剧本的创作中，此为重中之重，剧本是一部动画乃至任何ACG作品的灵魂所在，一个优秀的编剧不要认为自己是在编剧，你要代入到那个世界中的人，你只是在把亲眼所见的一切记载下来，一切剧情在其世界观的规则中必须做到自圆其说、逻辑自洽，避免一切剧本上的漏洞和硬伤（尤其反感吃书行为）；

考虑到底层创作者的实际情况，有限的经费和制作周期，初步计划的作品必须考虑到时长，根据当下市场分析，成功的案例普遍为季番，年番的风险巨大，且底层创作者也没有这样的资本可以制作年番，因此剧本必须考虑到在有限的6至12集（甚至24集）中，如何表达清楚大概的世界观框架，并且充分地让观众被这个世界观吸引住；

最忌用平铺直述的介绍来讲述世界观（反面典型：《新假面骑士》，一开头就照本宣科地向观众灌输了半天乏味的世界背景，成功劝退路人观众），正确的做法是在故事中逐步地把宏大世界的面纱揭开，激发观众的探索欲，开篇就要设计悬念，明确故事中不同势力方的冲突矛盾（成功案例：《海贼王》、《全职猎人》、《一拳超人》、《鬼灭之刃》，第一集就通过剧情本身，自然而然地把世界观、冲突交代清楚了，并设下了贯穿始终的悬念，如路飞何时成王，小杰何时找到父亲，琦玉何时会一拳打不死敌人，祢豆子何时能变回人类），而且要根据市场分析，制定出和现有绝大多数剧本模式完全不同的内容，将从未有人尝试却极其富有价值的元素运用其中，打破固有格局，做出独树一帜、独一无二的世界观、剧本；

考虑到动画创作者所处的环境，面对的主要受众群体99%为本土观众，因此作品的核心必须有别于日韩欧美，而不是一味地全盘吸收，这样一味模仿国外的作品，目前并未发现成功的案例，不论在艺术创作上亦或商业运作上，这样的作品都注定被市场淘汰。

剧本的创作和学习，必须跳出【动画作品】这一狭隘的局限，放眼一切存在【故事】这一属性的作品，不论是漫画、电影、影视剧、游戏、小说、戏剧舞台剧等，吸取一切精髓，并从中衍生出自己独有的东西。

现阶段中国文化市场中最成功的【故事】无疑来自刘慈欣的《三体》，以及根据刘慈欣原著小说改编的《流浪地球2》，小说《三体》以及其关联作品《球状闪电》正是典型的把“设下悬念，逐渐揭开”这一理念推向了极致，甚至可以说是极端，但最终呈现的效果是有目共睹的，这样的成功案例非常值得故事创作者学习，但是也要把握好度，《三体》只会有一个，不会有第二个，其商业上的成功并不仅仅是故事上的成功，而是一系列因素互相影响导致最终的成果，学习其成功之处时也要考虑到自身的经费和工期，做出适当的让步，否则容易门槛太高，劝退观众，从而让作品胎死腹中，纵有再多奇思妙想，未来也表现不出。

但是，对剧本门槛的让步也不宜太大，否则就会照猫画虎，做出被观众唾弃，被市场淘汰的失败产品，最终被钉在历史的耻辱柱上。

超脱出商业片的角度，想要达到更高的艺术层面，第一季的剧本就需要长远考虑第二季、第三季乃至“千秋万载”，埋下可以在后期揭开的伏笔，而不是目光短浅，挖坑不填；在埋伏笔、设悬念方面，最值得品读的就是悬疑推理类的小说，尤其是阿加莎克里斯蒂的《无人生还》这类在前中期留下线索，到最后大反转的作品。

抛开经费、收益等外在因素，客观来说，不是剧本有了伏笔，就一定能有后续，而是不会埋伏笔的剧本无法吸引观众，因此这些剧本大多都腰斩了，所以在创作剧本的时候一定要不遗余力，不要老想着这次的动画失败了留一手下次再用，对底层创作者来说，失败这一次基本上再也不会有机会了，别忘了时间就是最大的成本，人的一生是有限的。

第五步，人物角色的形象设定，这其实在剧本创作的过程中就应该考虑好了，只是在具体的人物设计上要更加的细节，目前国内市场上大多数的动画产品因为没有漫画原作，缺乏画风的参考，因此大多数产品会选择日系美型画风，和日本市场的大量轻小说改编动画一样，10部有9部的画风基本是差不多的，同类的角色单独挑出来去掉了发型和服装就分不清谁是谁，这样的动画产品可以说是中规中矩，风险较低，毕竟美型可爱萌系总是有人喜欢。

但是目前的国产二维动画市场已经有太多同质化作品了，2010年时出现这样风格的国产动画，对观众来说还有些新鲜度，但是每年有这么多的日本动画采用同类型的风格，而且远远胜过模仿者，观众的审美是会疲劳的，不论多么受市场欢迎的风格，一旦陷入同质化的僵局，就会像超发货币引发通货膨胀导致货币贬值一样，人人都想暴富的结果就是榨干这个价值后人人都当穷光蛋。

以前的创作者在大潮流的裹挟下逆流而上，在泛滥的风格中创造自己的独特风格，是摸着石头过河，是为了艺术献身的先驱，而现在的市场环境、审美能力日渐提高的观众群体，正在逼得创作者不得不跳出舒适圈，在创新方面疯狂内卷，本质上这种“内卷”对国产动漫的未来而言是良性的竞争，只是在这个过程中必然有一部分失败者会被淘汰。

第六步，进入到分镜的绘制，再后面的原画、动画、场景设计、背景绘制等等，不在本文探讨范围内，所以只粗略地探讨一下，简而言之就是对镜头语言的运用，在【需要的地方】（划重点）多采用夸张的构图，极具张力的大透视，鱼眼透视、广角镜头、希区柯克式拉镜、蒙太奇转场，优秀的镜头设计，并不是对看不懂专业技法的观众炫技，而是像魔术的障眼法一样，潜移默化中让观众沉浸其中。

分镜的安排、日常演出、打斗作画的设计方面，有限的经费和工期需要精打细算，最典型的成功案例是庵野秀明的《EVA》TV版，日常经常采用一些动作很少甚至是静态的画面，但在每一次EVA大战使徒的时候就“经费上线”、“作画爆炸”，合理分配稀少的经费，就如同田忌赛马。也可以让动静对比更突出两者，假如把经费平均分布在动画的每分每秒，那就每分每秒都是度日如年的平淡乏味。

注重打戏、大场面的同时，演出作画、情感表达也不容忽视，优秀的演出作画能够感染观众的情绪，想要制作出好的演出，需要的经费和时间不亚于打戏，所以这样优秀的演出也需要和打戏一样，被安排在至关重要的时间点，尤其是一些引爆情绪，将剧情推上高潮的部分，不论是悲是欢，是怒是喜。

第七步，后期特效（摄影），这个已经超出我的专业范畴了，我个人对后期的了解仅仅局限于用Ae加一下辉光、模糊、放大缩小旋转移动之类基础的操作，所以在这方面一定要相信那些专业的摄影，而且在制作的前中期，各个部门就要沟通好，什么效果能做，什么效果不能做，怎么才能做出来，导演、分镜、原画需要和后期部门的主管持续交流。

第八步，角色配音，人物配音其实在前期设计好了人物以后就可以开始物色了，现在的配音普遍喜欢全部外包给一个配音工作室，虽然方便，但是我认为有些角色的配音需要精挑细选，基本的嗓音上就需要贴合角色，而不是让配音演员去强行压着嗓子配音。

有时候如果能请到一些老资历的配音演员就最完美了，最佳的成功例子是《大鱼海棠》里金士杰老师配的“灵婆”，还有《风云决》里童自荣老师配的傲绝，还有在各个国漫和电视剧电影里常年专业配年上长者的倪康老师（配音角色包括蜻蜓队长、奥特赛文旁白、蝙蝠侠动画里的小丑、秦时明月的班大师等等各种经典角色，可惜已经退休了，兢兢业业一辈子配了这么多经典，名气在动漫粉丝中却不响亮），还有蓝猫的配音演员葛平老师、在B站非常火的高全胜老师，这些配音界的长辈都是不可多得的宝藏，必须重视诸位老师的价值！不说配一个角色多久，哪怕客串一次也是非常有意义的。（另附：本人也是央视六套译制片配音、辽艺配音、上译配音、TVB粤配、台配国语、布袋戏闽语配音的爱好者）

以前的国产动画常采用影视演员、明星配音，有成功的例子也有失败的例子，其实很多演员的声线极富特色，个人很喜欢李幼斌老师的声线、唐国强老师的声线、还有张涵予、姜文……不过请著名演员配音是很困难的事……至于失败的例子，其实已经有很多很多很多了，尤其是请流量小鲜肉配音的例子，简直不堪入目……

之所以没提到任何一个女性配音演员或是女演员、女明星，主要是对这方面的了解较少，就我目前看过的国语女配音来说，真正优秀的仍然是资历较老的一辈，新一代的女性配音非常多，但是声线有特色的几乎没有，似乎是受日本动画现在主流的萌系影响，市场上能听到的声音几乎都是那么几种，一到配少年、儿童、攻气较强的T、老妇人时，就经常听到一些违和感较强的音色。

像80年的季冠霖、86年的乔诗语，甚至于89年生的山新，如今也都已经可以算是资历深的了，这些水平高的女性配音演员档期都排得很满，各个项目都抢着找她们参与，这些行业里顶尖的配音演员毕竟数量有限，不是那么容易找到的，所以目光最好开阔一点。

其实现在有很多年轻的女性配音演员在尝试其他不同的声线风格，或是本身就有得天独厚的嗓音条件，只不过现在这个畸形的市场对她们来说并不友好，各个厂商要的都是夹子音萌妹子（要不就是御姐音）内卷得很多嗓音天生很攻的女性配音也要夹着嗓子去配音，最终泯然众人。

以后的创作者真的要广撒网、多观察，多给这些风格独特的年轻人一些机会，如果这个市场一直照目前这种态势发展下去，再过20年，中国也出不了一个野泽雅子（孙悟空）、田中真弓（路飞）、竹内顺子（鸣人）、松本梨香（小智）那样燃到炸裂的女性声优。

第九步，配乐、音效，在剧本创作的过程中其实就可以开始构想需要的音乐风格了，动画导演如果能对音乐有一定的审美就最好了，会一两样乐器、能演奏个小样给作曲家当参考的，更是完美，可以省略很多时间成本，免得作曲一直改来改去，不停试错，导演只能摇摇头，提出各种模棱两可的意见。

理论上来说只要合适，不管是欧美还是日本或是国内的作曲家都是可以的，比如说《叶问》请川井宪次来作曲，《太阳照常升起》请久石让，《王者荣耀》游戏还请过汉斯季默，不过底层创作者不太可能请得起，所以直接跳过吧……

国内的年轻一辈配乐，我个人首推《白蛇缘起》配乐的郭好为 ，《哪吒之魔童降世》的配乐朱芸编。

个人极为推崇台湾布袋戏的配乐，尤其是《日出峨眉》、《天御荒神》 、《刀狂剑痴》这几首快节奏的曲子。

《兰陵王破阵曲》的曲风和乐器的搭配也是非常值得参考的，如果要用纯中国风的乐器来打造燃曲，战鼓、唢呐、铜箔、琵琶、古筝、二胡、笛、箫、胡笳、马头琴等等乐器都是非常需要的，但不是一股脑地融在一起，而是合理搭配各自的功能。

另外，个人觉得编钟的音色和宏大寂静的宇宙背景很合适，如果要演绎一段“天地玄黄，宇宙洪荒” 的景象，编钟这远古的空灵回响是非常震撼的。

我想要的作品是不同文化融合交互碰撞的，所以中国风只是其中一部分，随着世界观的展开，不同地区、不同国家、民族文化都不同，都会从现实中找到对应的原型，所以现实种全世界的音乐都值得了解一下，包括欧洲古典，美式流行，日系和风，印度舞曲，阿拉伯曲风，非洲、大洋洲土著部落歌谣……因为我本人是《宝可梦》 死忠粉，对宝可梦有了解的应该知道宝可梦每个世代新增的原创地区都有现实原型，且配乐风格都和原型国家的文化贴合，典型的比如成都地区的日本和风，合众地区的美国现代曲风、西部风，卡洛斯的法式浪漫，迦勒尔的英伦风，帕迪亚的西班牙曲风……每个地区的曲风都有其特点，突出文化的包容性和多元化。

第十步， 通过审批，这其实也是在一开始就需要考虑的一个问题，而且是所有过程里最最最严峻的问题！一个不小心就可以让你十年的努力一瞬间化为灰烬，到时候后悔也来不及！

对于审批，一开始首先要确定你的动画产品是要投放在哪个领域载体，电影、TV、网络平台，各个载体的审批要求都不一样，在开始创作前就应该了解清楚，不要创作一半了才知道这个播不了那个播不了，亡羊补牢。

一起工作时参与的一个动画项目，原计划是灵异悬疑，有很多牛鬼蛇神、民间传说的东西在里面，为了避免被判定为“传播封建迷信”，只好改成科幻片。。

但是政策是不停变化的，创作者最好时时关心最新的政策更新，从市场上这几年出现过的动画作品也可以发现，宽与严是弹性化的，有时也会出现《大护法》、《灵笼》这样尺度极大的动画，有时也会出现《虹猫蓝兔七侠传》、《迪迦奥特曼》被“家长”批“血腥暴力”被下架的离谱情况。

总而言之，没有确切把握，最好规避一切潜在的风险，黑深残不见得必须用直白的画面表达出来，一定要加入黑深残剧情的话，有时候用隐喻的意识流画面可以更残酷，因为观众的想象力是没有边际的，看不到，只会想象得更加残酷……（或者也可以出番外小花絮什么的，单独把黑深残的画面放出来）

第十一步，宣传发行，这也是在项目初期就需要考虑的问题，产品再好也需要广而告之，“酒香不怕巷子深”已经不适用于摩天大厦遍地的现代了，死在宣发上的优秀国漫还少么？需要我举例子么？想起来就觉得可惜可叹！

宣发最惨痛的例子——《魁拔2》、《魁拔3》、《龙之谷破晓奇兵》，我高中时看了《魁拔1》就成了魁拔粉丝，没想到后面两部续集的宣发可以这么悄无声息，《魁拔2》下映了我才知道它有上映，我作为粉丝尚且会遗漏上映信息，路人观众就更不必说了。

宣发最成功的例子——《大鱼海棠》 ，上映前10年就开始宣传，铺垫了很长时间，最终收货票房5亿人民币。

也有宣发先是拉胯却又在之后成功逆转的案例——《白蛇缘起》，因为电影质量确实优秀，大量自来水帮忙宣传，实现了票房逆袭。

更有一开始宣传得大张旗鼓，之后却因为宣传而彻底拉垮了的——《雄狮少年》……

更多的是宣发重拳出击，作品质量却唯唯诺诺，最后暴死的项目，这里就不提了，一千个人心里有一千部粪作。

宣传的方法有很多种，但是大部分创作者在这方面都是外行，所以还是要找专业一点的运营。

但是在宣传中要注意很多细节，尤其是不要都是老套的“国漫崛起”，当各种粗制滥造的跟风神话题材、西游题材的动画都纷纷跳出来自称“国漫崛起”的时候，“国漫崛起”这块金字招牌就已经砸了，骗骗带小孩的家长还可以，观众可不是瞎子。

另一方面，如果是电影，上映日期也要精挑细选，五一国庆春节等档期虽然热度高，但是同期的强力竞争者也必然多，除非有信心击败他们，否则千万别硬碰硬，连《流浪地球2》的排片都斗不过《满江红》，这背后错综复杂的关系是剪不断理还乱。

俗话说同行是仇人，商战的残酷程度毋庸置疑，有时会有商业对手买水军来黑，或者带节奏引导粉丝攻击，以及各种恶性炒作，甚至是捧杀，都是不得不防的。

第十二步，拉赞助、商业投资、预算分配、盈利后分红等等，这些步骤看似已经脱离动画创作的范畴了，其实商业化、盈利恰恰是动画能否生存下去的命脉，动画创作者必须有长远的眼光，缜密的心思，否则在这个充斥着资本竞争的社会，心里只有纯洁的理想，只会沦为他人的棋子。

市场上已经有很多惨痛的教训，比如《星游记》，《岁城璃心》，版权都从原作者手中丢失，而这些ip的新主人也没有好好利用，做出的都是一些毁原著的劣质产品，坑一波快钱，迅速榨干老粉的情怀，然后把ip扔进垃圾堆，这种竭泽而渔、暴殄天物的行为真是人神共愤！！！

动画产品盈利之后，一定不要忘了和自己同甘共苦制作动画的团队，做动画不能总是靠用爱发电，人类的身体不能靠爱生存，无法脱离物质基础，爱是会随着物质的消散而一起消散的，即便是有人能为爱而死，人死缘灭，爱又何来？天下攘攘，皆为利往，或是为名或是为财，或是为天下大义，家国情怀，归根结底不论高尚还是庸俗，终逃不过一个【利】字，人性是经不起考验的，如果一个创作者总是消费自己合作者的热情，不给到实际的经济收益，这个团队最终必然崩塌。（同学们可以试一试，纯靠爱维持的团队能否在长期无法利益变现的情况下坚持下去，作者的多次亲身经历可以告诉你——绝不可能）

同理，对于投资者，他们也只有看到这部作品、或者说【产品】的价值所在，他们才会投资，常规的投资者选择自己认为有价值的产品，高端的投资者选择会改变这个市场价值观的产品，而作为创作者，就需要想方设法自证潜在价值，动画人普遍比较宅，如果能有一个能说会道的制片合伙人就很完美了，比如《别对映像研出手！》里的金森，帮着社恐的女主搞定各种“外交”事务。

第十三步，衍生作品、周边产品，比如改编游戏 、真人改编、手办、模玩、cosplay服装道具、主题公园、代言商品等等，如果项目在第十二步的收益步骤就已经宣告破产，那这最后一步也就可以无视了。

游戏化和模玩（包括卡牌）可能是动画ip衍生商品里利益最大的了，游戏王的卡牌、宝可梦的卡牌都是兼具了游戏和玩具的功能，宝可梦出的毛绒玩偶、高达等各种万代机甲模玩、特摄英雄的模玩，每年的产值也都很高，人物角色的手办与之相比反倒是最不赚钱的了。

主题公园这方面，目前看来最厉害的还是迪士尼。

第十四步，公益慈善，动画产业除了文化输出、带动内需、提供就业机会之外，还需要追求更庞大的格局，新中国成立之初，文化宣传就是一项革命事业，包括在抗日战争时期，万氏兄弟制作的《铁扇公主》 也表达了中国劳动人民抵抗侵略者的反抗精神，动画、电影、歌曲音乐、连环画、文章，从来不只是产品商品，更是广大人民群众的精神寄托，从前是这样，未来也是这样，不会改变，所以我认为动画行业在商业上取得成功之后就可以适当地进行一些慈善活动，而且要大张旗鼓！不是藏着掖着！让更多人意识到文化产业的长远意义！

第十五步，也是个人的一点感悟，那就是【保持初心】，任何动画产品随着越做越大，被越来越多的利益关系裹挟，面对的阻碍和诱惑都会越来越多，如何管理好企业，不要让最初的理想腐化，这不论是在艺术上还是在商业上都是极其重要的，能坚持多久就坚持多久，那些可以让ip的生命力持续数十年的成功企业都有这样的特征，一旦他们开始脱离原定的道路，就常常做出烂尾的产品。

最后，还是要回到眼前，脚踏实地，坚持创作，为中国动画之复兴而奋斗！